Les meilleurs titres des années 2000

Phoenix - If I Ever Feel Better

En 2000, avec cette chanson Phoenix avait déjà parfait son esthétique : douce, amère, sautillante, scintillante, disco, rock, pop, lisse, chaleureuse... "If I Ever Feel Better" sort des enceintes avec une telle évidence qu'on pourrait confondre ça avec une trop grande simplicité mais en matière de pop, il n'y a rien de plus élégant et de plus difficile que de cultiver l'apparence de la facilité.

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Amerie - One Thing

Le producteur Rich Harrison (aussi responsable de "Crazy In Love") a construit l'instru de "1 Thing" sur un break de quelques secondes d'un morceau des Meters ("Oh Calcutta"). Plutôt que d'ajouter un synthé ou une ligne de basse qui auraient rempli un peu ce duo guitare/batterie, il a rajouté des bongos et une cowbell, accéléré le tout et demandé à Amerie de trouver un moyen de poser sa voix sur ce qui ressemblait plus à un solo de batterie qu'à autre chose. Amerie donne tout ce qu'elle a, un véritable feu d'artifice vocal à base de scat, de tics, de cris et du moins possible de mélodie. Evidemment le label n'en a pas voulu, mais la chanson est devenue un tube malgré elle, par la simple force de la volonté d'Amerie et Rich Harrison.

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Burial - Archangel

Burial, par la force de son succès critique, c'est la face visible de l'underground londonien, d'une scène opaque qui s'emporte dans des mouvements difficiles à identifier : garage, grime, 2-step, dubstep, funky... Tout ça est incompréhensible pour qui n'est pas plongé profondément dans cette scène. Burial a sorti la tête du troupeau et su attirer l'attention du reste du monde parce que son album était plus qu'une nouvelle évolution du son mutant de cette scène : c'est une musique curieusement pleine d'âme. Des profondeurs hantées de cette musique émergent beats chancelants et poussièreux, samples de voix fantomatiques, chants élégiaques d'un passé oublié.

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Fiona Apple - Not About Love

Fiona Apple est bornée. Longtemps, les fans ont cru que son troisième album n'était pas sorti par la faute d'un label conservateur qui n'aimait pas la production trop bizarre de Jon Brion. En fait, c'était Fiona elle-même qui n'aimait pas et qui, plutôt que de retravailler, a décidé de prendre de longues vacances. Ce n'est que parce qu'elle en avait marre qu'on l'embête avec cette histoire qu'elle a finalement accepté de retourner en studio et d'enregistrer à nouveau ces chansons. Bien sûr, tout ça c'est surtout parce qu'elle est ultra-sensible et préfère s'exposer le moins possible au public. Chaque chanson est une douleur pour elle, mais l'admettre n'arrangerait rien. Dans "Not About Love", c'est la même chose : elle refuse d'admettre qu'elle est amoureuse et feint la paresse pour masque (assez mal). Elle préfère même tourner un clip ridicule avec le comique Zach Galifianakis plutôt que de reconnaitre à la chanson son pouvoir de faire pleurer.

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Justice - D.A.N.C.E.

Le gros problème de Justice, qu'on n'avait pas tous cerné avant le ridicule clip de "Stress", c'est qu'ils se prennent trop souvent pour des bad boys. Quand Kanye West leur a fait le même coup qu'à Taylor Swift aux MTV Awards européens, pourtant, ils venaient de recevoir un prix pour le joyeux clip de "D.A.N.C.E." et ils n'avaient pas l'air plus méchants que la starlette country trois ans plus tard. Un beat electro-funky à peine abrasif, une chanson façon Jackson 5 et hop, Justice inventait une formule pop parfaite pour conquérir le monde.

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Erykah Badu - The Healer

Il y a ce beat malade de Madlib qui tourne au ralenti, hanté par des choeurs inspirés d'un titre du Monde Fabuleux des Yamasuki (1971) et qui s'achève par une invasion de synthés damnés. Il y a Erykah Badu, qui d'une voix de petite fille défoncée énonce un monologue paranoïaque plein de demi-vérités à la frontière de la philosophie et du bullshit ("you don't have to believe everything you think / we've been programmed / wake up"). Finalement il y a cette déclaration qui revient presque comme un refrain et à laquelle on aimerait pouvoir s'accrocher : "It's bigger than religion / it's bigger than Government / Hip Hop".

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Radiohead - 15 Step

Le public a eu l'occasion de payer ce qu'il voulait pour "15 Step". En majorité, il a chosi de ne rien payer du tout, ce qui prouve bien que le public est pingre, alors que la chanson ne l'est pourtant pas du tout : en cinq minutes, sur un beat bégue insistant, Radiohead balance tout ce qu'il y aura sur . Des synthés chelous, des cris d'enfants joyeux, une guitare jazzy agile, Thom Yorke qui marmonne des trucs qu'on ne comprend pas. A elle seule la chanson est sans doute meilleure et en tout cas plus intéressante que tout . Et à ce prix là, franchement, c'est donné.

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Interpol - NYC

Marche funèbre dans un New York post 11 Septembre, "NYC" est la plus élégante des chansons d'Interpol. Paul Banks chante avec un désespoir étranglé dans la voix pendant que le groupe évoque plus l'esprit de Joy Division qu'il ne cite directement sa musique (ce dont on l'a trop souvent accusé à tort). Le groupe est noyé dans un brouillard d'effets, de réverb et de distortion molle. L'effet, c'est celui d'une errance sur les trottoirs sales de la ville. On est perdu, mais on continue à marcher, parce que "New York Cares".

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Missy Elliott - Get Ur Freak On

Pour commencer à comprendre "Get Ur Freak On", il faut apprendre deux mots : "bhangra", qui est le nom d'un style musical du Penjab et et "ektara", celui de l'instrument qui joue cette mélodie entêtante. On présume que vous savez déjà ce qu'est un tablâ, sinon vous allez être totalement perdu. En fait, de toute façon, la première fois qu'on entend "Get Ur Freak On" on est toujours perdu, parce que même les musiciens de bhangra du fin fond du Penjab ne reconnaitraient pas leur musique, que Timbaland a passé à la moulinette jungle pour produire cette créature étrange. Il fallait au moins cette nouvelle espèce de musique extra-terrestre pour être à la hauteur de Missy Elliott, l'une des MC les plus bizarres que la Terre ait connu. Une décennie plus tard, on attend toujours un disque de hip hop plus étrange.

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Of Montreal - Gronlandic Edit

"Les eglises sont pleines de losers, de malades mentaux et de gens perdus", "la physique fait de nous ses biatches"... "Gronlandic Edit" parle des errances d'un narrateur perdu dans le monde et dans lui-même, en profond doute existentiel, l'âme au bord du chaos. Sauf que, tant qu'a se perdre, Kevin Barnes d'Of Montreal préfère le faire dans une boite de nuit, en dansant sur un disco funk élégant et en faisant harmoniser toutes les voix qui résonnent dans son crâne. La folie et le désespoir n'ont jamais autant donné envie de sombrer en eux.

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Britney Spears - Toxic

Des violons qui sonnent comme Bollywood via Hollywood, une guitare surf... alors que la période Pierce Brosnan était en train de nous faire oublier combien James Bond pouvait être cool, Britney Spears nous rappelait tout le fun qu'il pouvait y avoir dans un bon épisode de la série : l'exotisme en carton pâte, le pop art multicolore et la James Bond girl ultra sexy. Peut-être à cause de la guitare, ou du culte voué à l'espion misogyne de Ian Fleming, "Toxic" s'est imposé jusque dans les cercles rockistes comme LA chanson de Britney qu'on a le droit d'aimer. C'est dommage pour eux que ce soit la seule, mais il faut tout de même saluer la performance des producteurs suédois Bloodhsy & Avant qui ont su faire aimer aux plus snob celle qui était encore à l'époque leur ennemie numéro 1.

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Daft Punk - Digital Love

Aujourd'hui, après avoir pourtant déçu tout le monde avec , Daft Punk est devenu inattaquable, pourtant, à la sortie de , ils ont fait lever plus d'un sourcil. Rien que sur "Digital Love", il y avait du vocoder (qu'on ne confondait pas encore avec l'autotune), un solo de Wurlithzer pompé à Supertramp et un de guitare alors totalement ringard. C'était autant de marques de mauvais goût et de signes de régression infantile pour beaucoup d'auditeurs qui ne savaient trop à quel degré prendre Daft Punk. A l'époque, soit on était kitsch, soit on était sérieux, on n'avait pas le choix. Si "Digital Love" sortait aujourd'hui, avec son clip de Leiji Matsumoto, tout le monde serait trop occupé à applaudir, admirer et danser pour sourciller. Il y a peut-être eu du progrès en ce début de siècle, finalement.

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M.I.A. - Paper Planes

M.I.A. est censée être une extrémiste politique et musicale. Championne et pilleuse des musiques du tiers-monde, rappeuse terroriste, blender trans-culturel. Sur "Paper Planes", Diplo a samplé pour elle une chanson des Clash, les grand-pères de la résistance alter-mondialiste. M.I.A. était vraiment censée rester underground. Elle aurait dû être l'artiste qui inspire des pales copies qu'on retrouvait en haut des charts. Sauf que "Paper Planes" est simplement trop irrésistible pour ça. Le beat aérien, la juxtaposition du refrain chanté par des enfants, des coups de feux et des tiroirs caisse, le flow parfaitement arrogant de M.I.A. : ce sont les éléments dont on fait les tubes. Peu importe que la chanson parle de passeurs et de faux papiers, mois après mois, elle a échappé à ses auteurs pour s'infiltrer dans la culture de masse, samplée par Kanye West et Jay Z, utilisée dans la B.O. de deux films oscarisables (Slumdog Millionaire et Pineapple Express)... Aujourd'hui on la retrouve dans les iPods de gamins au Brésil et dans les karaokés au Japon. L'alter-mondialisme c'est comme le coca, ça se vend partout dans le monde.

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Arcade Fire - Wake Up

"Wake Up" commence avec un riff qui aurait pu être de Black Sabbath, parce qu'Arcade Fire, pour toutes les comparaisons aux Talking Heads auxquels ils ont eu droit, est plus un groupe "heavy" que "new wave". Heavy, mais pas métal, parce qu'après l'introduction de ce riff, c'est une chorale, des violons et un accordéon qui débarquent. Arcade Fire est coupable du pire péché du rock des années 2000 : le groupe est émo. Sauf qu'il apporte ce truc que les Fall Out Boy n'ont pas. Le groupe exprime une émotion collective, partagée par chacun de ses membres, et s'affiche comme une famille recomposée dans la douleur. Puis tout s'arrête pour un pont façon "Lust For Life" pour enfant, et c'est comme une fête pour adultes qui ont mal grandi.

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Beyoncé feat Jay-Z - Crazy In Love

Les Destiny's Child était l'un des plus gros groupes du monde et pour justifier une carrière solo, Beyonce avait besoin du plus gros tube du monde. C'était bien simple : elle était la fille du manager du groupe, la petite amie du meilleur rappeur vivant (et bientôt PDG de Def Jam) et il n'était pas question qu'elle se contente d'un numéro deux. Elle a trouvé son tube quand le producteur Rich Harrison lui a fait entendre ce sample des Chi-Lites avec lequel il jouait sur une démo. Harrison l'a marié avec un beat go-go (un style de funk jusqu'alors rarement entendu hors de Washington) qui tirait le meilleur partie de la façon de chanter à moitié rappée de Beyoncé, quelque part entre Tina Turner et R. Kelly. Une fois tous ces éléments mis en place (et on ne parle même pas des incroyables mouvements du derrière de Beyoncé dans la vidéo), rien ne pouvait plus se tenir entre Beyoncé et ce qu'elle voulait.

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Tv On The Radio - Staring At The Sun

Le 11 Septembre 2001, pour leur ami le comique David Cross, ça restera "la semaine où le football américain s'est arrêté". Pour TV On The Radio, à en croire "Staring At The Sun", ça aura été le début d'une période de délire, de sexe, de drogue, de paranoïa, de colère anti-[people_restrictif+George Bush]Bush[/people_restrictif], de défonce et d'expérimentation sonore. C'est une chanson pour baiser qui fait peur, un titre aussi euphorique qu'en colère. Musicalement, il pose toutes les bases de la carrière de TV On The Radio : une ligne de basse saturée, les harmonies inhumaines de Tunde et Kyp, le mur du son de Dave Sitek. TV On The Radio a débarqué sur scène avec un style déjà totalement personnel et abouti, et l'une des meilleures chansons de la décennie.

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Lil Wayne - A Milli

Bangladesh, le responsible de ce beat minimaliste, avait une vision très claire. Il laisserait se répéter ad nauseum cette voix qui dit "A Milli" (pour "un million") pour que tout le monde comprenne bien combien lui et Lil Wayne avait d'argent. C'était un objectif simple, pas forcément louable mais en tout cas, ça devait être efficace. Sauf que Lil Wayne est tombé amoureux de ce beat hypnotique, s'en est emparé et a enregistré freestyle sur freestyle dessus. Bien sûr il était totalement défoncé à chaque fois, et il a fini par rapper sur tout et sur rien, sur les grandes vérités de la vie et sur sa montre, sur son style, sur la drogue, sur ses millions, aussi, bien sûr, mais en révélant qu'il s'en fout un peu, comme de tout ("a million here, a million there"). Bangladesh était déçu que Wayne ignore son beau concept mais il a pu se consoler en considérant le fait d'avoir participé à un des morceaux de hip hop les plus mythiques de la décennie, repris par des milliers de kids et de rappeurs célèbres sans qu'aucun n'approche le niveau de Wayne, et sans doute aussi en gagnant plein de nouveaux millions.

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Antony & The Johnsons - Hope There's Someone

La chanson commence comme une ballade standard d'Antony, délicate, magnifique, profonde. Et puis il y a ce final, où Antony arrête la chanson pour se lancer dans un crescendo de piano qui abandonne toute la subtilité qui le distingue d'habitude. Ca pourrait être joué par Andrew WK, pour dire à quel point c'est brutal et sincère. Antony And The Johnsons parle à peu près toujours de la mort dans ses chansons. Il tente d'appréhender musicalement sa fin, s'envole dans un tourbillon de piano, d'orgue et de voix. "Hope There's Someone" est glaçant et magnifique.

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Kelis - Milkshake

"Milkshake", c'est la culmination de deux carrières : celle des Neptunes et celle de Kelis. Non seulement c'est leur plus gros tube ensemble, c'est aussi l'un des plus bizarres : un beat aride, inspiré des voyages en Inde de Timbaland, et des basses étranges, distordues, atonales, qui se synchronisent dans un groove envoûtant. Kelis y chante d'une voix dépassionnée une comptine sur la fellation. L'important, c'est la texture sablée de sa voix. Ce mélange entre sexualité, infantilisme et expérimentation musicale fait sûrement que "Milkshake" marche mais pour tout vous dire, des années après, on ne sait toujours pas vraiment comment.

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Arctic Monkeys - I Bet You Look Good On The Dancefloor

Le retour du rock lors de cette décennie, on le doit d'un côté aux Strokes, de l'autre aux juvéniles Arctic Monkeys. Fin 2005, le titre rageur "I Bet You Look Good On The Dancefloor" se transmet maladivement sur le web (en partie grâce à la plateforme Myspace). Le titre se place en tête des charts au Royaume-Uni et l'album s'écoule à 360 000 exemplaires en une semaine, battant ainsi le précédent record jusque-là détenu par les Beatles.

Jeunes, sûrs d'eux, maîtrisant leurs classiques rock, et pas virtuoses de la guitare pour un sou, les jeunes de Sheffield ont surtout eu la bonne idée de tirer profit du nouvel outil de promo mis à disposition des musicos depuis quelques années : le web. Depuis, de Leeds à Brighton, on ne compte plus le nombre de jeunes anglais qui rêvent de commettre le même hold-up...

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Justin Timberlake (feat T.I.) - My Love

"My Love", c'est clairement "Cry Me A River part 2". Sur l'album précédent, Justin Timberlake et Timbaland avaient pondu un chef d'oeuvre absolu, pour leur retour, ils ne pouvaient faire moins. Timbaland a donc réalisé ce qui s'est avéré être la dernière grande prod de sa carrière : beatbox bègue, à moitié humaine, une boucle de synthé qu'il a sans doute piqué à une vieille démo Amiga, des scratches qui couinent et surtout beaucoup, beaucoup de vide. Le travail de Timbaland a toujours été remarquable par ce qu'il ne mettait pas dedans, et pour "My Love" il a pondu une de ses meilleures sculptures de l'espace négatif.Justin Timberlake pose dessus une mélodie simple, des paroles pleines de banalités sur l'amour et surtout pleins de choeurs semblent venir s'écraser contre la mélodie pour mieux renforcer la chanson. On n'est pas sûr exactement de la façon dont tout ça finit par sonner comme un opéra 2.0, mais on n'en est que plus admiratifs.

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LCD Soundsystem - All My Friends

James Murphy martelle le piano comme s'il s'était perdu dans une performances de "music for 18 musicians", et chante sur une mélodie à la New Order des paroles meilleures que toutes celles que Bernard Summner a jamais chanté. "You spent the first five years trying to get with the plan / And the next five years trying to be with your friends again" : un résumé d'une vie sociale passée dans les clubs mais dans laquelle tout le monde passé trente ans peut parfaitement se reconnaitre. Derrière tous les clins d'oeil de la musique et des paroles, il y a une ode à l'amitié simple et poignante.

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Outkast - Hey Ya

L'amour ne dure pas, ne nous mentons pas, il faut savoir se comporter en adultes et reconnaître le moment venu de prendre chacun sa route. Ces paroles sont chiantes, mais vraies. Elles ont besoin d'êtres chantées. En général, elles le sont soit dans un mode singer-songwriter seventies chiant, soit, encore pire, dans le mode power ballad larmoyante. Andre 3000 d'Outkast ne s'appelle heureusement pas comme ça pour rien, et même s'il se prend des envies d'être un auteur, il ne sera jamais un auteur chiant. Pour les chanter, ces paroles, il a donc pondu "Hey Ya" de soul rétro le plus propre à faire shaker les money makers de la décennie. Il y va à fond, sort la basse chamallow façon Bootsy Collins, tape dans ses mains comme un fou et se démultiplie pour chanter comme une armée de showmen à lui tout seul. L'amour ne dure peut-être pas, mais Andre 3000 ne voit aucune raison pour que la fête s'arrête.

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Animal Collective - Peacebone

"Peacebone" est une ballade folk assez simple, le genre qu'on peut entendre dans une émission pour enfant avec un monstre gentil. Sauf que le monstre d'Animal Collective pousse d'abrupts cris de dinosaures féroces pendant toute la chanson, qu'Avey Tare et Panda Bear se mettent à hurler ici où là sans prévenir, que le rythme "tout le monde tape dans ses mains autour du feu" est transformé en big beat accompagné d'une ligne de synthé qui sonne comme une vieille calculatrice déréglée, que les paroles ne veulent rien dire et qu'il se passe encore un million d'autres choses bizarres dans la chanson."Peacebone" trouve Animal Collective en pleine mutation (le groupe est en transformation permanente bien sûr), dans un stade quelque part entre le freak folk de et l'électro humaniste de .

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Rihanna feat Jay-Z - Umbrella

La force d"Umbrella" ne tient pas qu'à ce gimmick vocal qui colle aux oreilles. Le vrai truc de la chanson, c'est de marier un beat r'n'b mid tempo costaud, pratiquement rock, à une ballade sentimentale qui entre d'autres mains aurait très vite pu tourner à la guimauve.

Rihanna est sans doute la moins bonne chanteuse de toutes les divas r'n'b, qui généralement ont appris à chanter de tous leurs poumons à l'église et à moduler leur voix ad nauseum en écoutant Whitney Houston. Sa lecture presque monocorde de la chanson joue ici à son avantage : plutôt que d'en faire des caisses, elle est solide, stoïque, comme le beat. L'interprétation parfaite pour une chanson qui parle de fidélité.

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Kanye West - We Don't Care

On aurait pu choisir son plus gros tube "Gold Digger", mais elle est trop misogyne. "Jesus Walks" ? Trop de préchi-précha. "Heartless" ? Ca aurait été négliger le Kanye des origines, celui des samples soul accélérés et du hip hop mi conscient, mi bling. "We Don't Care", donc, n'est que l'une des merveilles qu'on doit à celui qui se prend pour la huitième merveille du monde. Ce n'est pas n'importe laquelle cependant : première chanson de son premier album solo, comme on dit, elle se pose là. D'un côté on a cette complainte classique de l'enfant du ghetto : dealer, c'était le seul moyen de s'en sortir. D'un autre on a ce beat et ces samples trop généreux, trop chaleureux. Et surtout Kanye, pas crédible, parce qu'il est middle class et qu'il le sait. Alors il fait chanter le refrain par des gamins : "on s'en fout de ce que les gens disent". Ca renvoit tout le monde dos à dos, ça désamorce tout et ça montre la place unique de Kanye West dans le hip hop de 2004.

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Jay-Z - 99 Problems

C'est le genre d'accroche dont on fait les tubes que jay z semblait pouvoir sortir. Pendant une petite décennie, il semblait ne rien pouvoir faire sans être l'homme le plus cool de la planète, et nulle part ça n'est aussi évident que sur "99 problems".

La production de Rick Rubin est anecdotique : Jay-Z lui a sûrement demandé de fournir le truc le plus old school qu'il pouvait faire (comme si Rubin savait faire du New School) et de surtout faire simple. Un beat primitif, un riff énorme et hop, c'est parti comme sur un vieux Beastie, Jay n'a plus qu'à faire son truc.

Il le fait, sans avoir l'air de se forcer et sort avec une arrogance toute justifiée un rap pour lequel d'autres tueraient. A l'époque, s'il avait 99 problèmes, on peut être sûr que rapper n'en était pas un non plus.

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Snoop Dogg feat Pharrell - Drop It Like It's Hot

Il n'y a rien dans ce morceau. Presque rien. snoop dogg rappe à peine trois vers. On peut à peine parler d'un beat : Pharrell Williams se contente de claquer la langue dans sa bouche. Le synthé qui joue un riff idiot semble programmé sur "gros son moche". Tout ce qu'il y a vraiment, c'est cette non-musique et Pharrell et Snoop qui lancent des petites hooks l'air de rien.

Ca ne parle de rien, ça ne ressemble à rien, c'est le morceau de musique le plus arrogant qui soit : c'est l'équivalent musical de deux types qui traînent sur un trottoir en espérant que leur aura de coolitude imperturbable amènera les biatches à se jeter à leurs pieds. On devrait se sentir humilié en réalisant que ça ne marche que trop bien sur nous, mais c'est juste trop bon, on n'y peut rien.

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The Gossip - Standing In The Way Of Control

Ce n'est pas très difficile de se démarquer dans la scène pop-rock des années 2000. Il suffit de n'être ni quatre lads à guitare coiffés comme Oasis, ni une chanteuse soul à voix rétro. The Gossip, rien qu'en étant un groupe de disco-punk mené par une femme sortait déjà du lot. Que cette femme soit Beth Ditto, chanteuse lesbienne, obèse, adepte du naturisme scénique et dotée d'une voix à faire exploser les têtes d'un jury de la Nouvelle Star, ce n'est vraiment que du bonus. A partir du troisième album, sur lequel on trouvait "Standing In The Way Of Control", plus rien n'a pu se mettre sur son chemin.

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Sufjan Stevens - Chicago

"Chicago" est la pièce centrale d', l'album que Sufjan Stevens a consacré à l'Etat d'Amérique et, pour le coup, il a totalement oublié son concept et ne parle ni de la ville, ni de l'Etat. Peu importe, la chanson marche quand même parce que d'une part c'est le meilleur refrain qu'il a jamais composé, et qu'il a sorti l'arrangement des grands jours pour aller avec, et d'autre part parce que la chanson parle de s'enfuir sur les gigantesques autoroutes américaines et qu'arrivé à la moitié du génial mais un tantinet indigeste Illinoise, on a bien bien besoin de ça."Chicago", c'est mieux qu'une chanson qui parle de liberté, c'est une échappée, une bouffée d'enthousiasme qui nous emporte le temps de quatre minutes loin de tout ce qu'on veut éviter.

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